domingo, 27 de mayo de 2012

Keith Haring

Entrada realizada por el alumno de Segundo de Bachillerato Artístico  Jordi Carvajal López


El pasado 4 de mayo, fue el 54 aniversario del nacimiento de  Keith Haring, Este día en clase comentamos la obra de uno de los principales representantes del pop art: Andy Warhol y de su apadrinado Jean-Michel Basquiat. Esta coincidencia es el motivo de la esta entrada en la que, además de presentar la obra de Keith Haring, haré referencia a la relación entre ellos.


Keith Harring Allen nació en Reading, Pennsylvania, el 4 de mayo del 1958. Sin embargo, los Harings vivieron en Kutztown, una cercana comunidad campesina de Pennsylvania. Sus profesores en kutztown quedaron impresionados por el interés obsesivo de Kaith por el dibujo y por su imaginación. En el Instituto, Keith llegó a la convicción de que quería ser artista.

Cuando aprobó la escuela secundaria se matriculó casualmente para estudiar lo mismo y en la misma escuela que Andy warhol en Pittsburgh, pero no le vio futuro y lo dejó al poco tiempo.

También igual que Andy se mudó a Nueva York, donde conoció a los primeros grafiteros, como  Jean-Michel Basquiat, que más tarde sería apadrinado por Andy Warhol. Por eso podemos decir que Andy fue uno de los artistas que propulsó el graffiti como movimiento artístico y lo dio a conocer. Kaith al igual que los grafiteros de la época, pintaba en los trenes y en la calle. Por eso, aunque yo nunca he realizado grafittis no entiendo porque no es reconocido por muchos  como arte y es catalogado como simples pintadas callejeras. Keith también iba frecuentemente al Club 57 otro de los lugares frecuentado por Andy. 


Keith con Andy Warhol


Keith con Basquiat


También podemos decir que Keith, al igual que Andy Warhol realizaba un arte muy popular. También Warhol influyó en Haring en la idea de utilizar un  BMW como soporte de su pintura.

 
 




Entre 1980 y 1989 muy poco antes de su muerte Kaith Haring logró el reconocimiento internacional y participó en diversas exposiciones . Su primera exposición individual fue en  Nueva York.

Haring también acabo haciendo un arte muy comercial   igual que Andy, así trabajó en el diseño de  relojes de la marca  Swatch y hizo una campaña  publicitaria del vodka Absolut. 



Realizó  murales en diferentes partes del mundo, por ejemplo el de Barcelona en el 89. Si queréis ver un video sobre su realización, clicad aquí.


Le criticaron mucho, principalmente cuando abrió su tienda en la que vendía  objetos con sus dibujos, como camisetas , juguetes…algo que hoy en día sería algo normal.


Kaith Haring murió muy joven,  a la edad de 31 años, víctima del sida,  en Nueva York. Dos años antes, en 1988, había fallecido Jean-Michel Basquiat a la edad de 27 años. Tres años antes, en 1987, había muerto Andy Warhol a la edad de 58 años a causa de una repentina arritmia que sufrió tras una operación de vesícula.


El arte de Haring lo podemos observar sobre objetos cotidianos, sobre el cuerpo humano, en grandes murales urbanos...


El árbol de  la vida

Fertilidad

Fotografía de Tseng Kwong Chi realizada en 1983
 en colaboración con el Keith Hari y el coreógrafo Bill T. Jones.

Pintura mural en Pisa









jueves, 24 de mayo de 2012

Kseniya Simonova

Entrada realitzada per l'alumna de Segon de Batxillerat Susana Roldán Sánchez


Kseniya Simonova  realitza un tipus d'art que podem classificar dins del que coneixem com sand art. 


Abans d'explicar  les característiques de l'obra d'aquesta artista convé comentar que l'anomenat sand art engloba diferents manifestacions artístiques. Entre aquestes s'ha de destacar els dibuixos realitzats amb sorres de diferents colors. Un exemple d'aquesta tècnica la trobem en l'art dels indis nord-americans que  influirà en el dripping de Jackson Pollock. 


Navajo Sand Painters
Ray Manley - 1953. 
Els Navaho, indis nord-americans, com  altres pobles indígenes, utilitzen les pintures de sorra (sand paintings) com a mitjan per fer presents  les idees sobre el transcendent. És de destacar la similitud amb els mandales tibetans, que també es realitzen amb sorres de colors i també es destrueixen després de realitzar el ritual.


Un altra manifestació del sand art és la realització  d'escultures amb sorra, alguna d'elles amb un extraordinari valor artístic. 


Durant el festival de "Món de Sorra", el balneari alemany de Travemünde es converteix en un parc d'escultures  de sorra. En aquesta fotografia podem observar a l'artista holandès Jan Selen treballant en una escukltura del déu grec Hades, déu del regne dels morts, i el gos Cèrber, el gos de tres caps.  


D'altra banda l'artista objecte d'aquesta entrada, Kseniya Simonova, realitza amb sorra una successió de dibuixos sobre un cristall.. Aquesta acció es projectada sobre una pantalla i així pugui ser contemplada pel públic assistent. Com pot deduir-se d'aquestes línies, una de les característiques del sand art és la  efimeritat de les seves obres, de les que solament  conservem documentació gràfica.







Kseniya Simonova va nèixer el 22 d’abril de 1958, Eupatoria (Ucraïna). La seva mare es dedica a dissenyar roba per actuacions teatrals i, a més, és professora de l’escola de Belles Arts. El seu pare és un exmilitar que dirigeix  una empresa de disseny immobiliari. Sempre li va agradar dibuixar i la seva mare va se qui la va animar perquè no ho deixés de fer mai.


Respecte al que consta sobre la seva educació Kseniya Simonova es va graduar a l’escola Artística de Eupatoria i va estudiar a l’Escola de Belles Arts. Va redactar molts articles sobre la poesia i balades populars. També es va dedicar a la traducció. 



A l’any 2002  estudia psicologia i es graduà en 2007. Entre aquest període, també es va graduar a l’any 2008 en disseny gràfic.



Com que la seva mare era professora li va ensenyar moltes tècniques del dibuix que Kseniya va assolir ràpidament. Els seus pares sempre van saber que tenia una gran capacitat imaginativa i que era capaç de reproduir sobre un paper allò que només havia vist en pocs segons.


L’any 2007 es casa amb Igor Paskar, un director de teatre i editor de la revista SuDmirty. En aquest mateix any va crear una revista junt amb el seu marit. Es tractava d’una revista bilingüe, rus i anglès, nomenada “Chocolate”. Es va haver d’aturar la seva producció degut a la crisi financera que vam patir al 2008.

El seu marit volia fer alguna cosa innovadora per a fer un nou espectacle i així poder guanyar diners, així que li va dir a Kseniya que preparés algun espectacle amb sorra. Primerament aquesta es va  negar ja que tenia talent per dibuixar i veia molt difícil poder plasmar en la sorra un dibuix ben fet. Però, finalment,  va començar a treballar amb sorra de platja i de rius però cap de les dues li anava bé al seu treball. Al final va utilitzar sorra volcànica.

Van alquilar una petita habitació on ella es passava varies hores practicant dibuix amb la sorra. Kseniya s’estava desesperant ja que no li venia la inspiració al cap fins que una nit, mirant per la finestra, va veure una llum i de sobte li va venir milers i milers de objectes i milers de històries que calien plasmar a la sorra.

Va ser tan bo l’espectacle que va crear  que va decidir, junt amb el seu marit, apuntar-se a un concurs del seu país: “Ucraine’s got talent”  en el que es podia guanyar una suma de 110.000 dòlars. Kseniya  es va presentar al càsting amb una frase molt personal: “Tot el que hi ha a la meva vida ve per casualitat i em porta la felicitat inesperada”. El treball presentat va resultar un espectacle meravellós en el que durant vuit  minuts va explicar la ocupació alemanya de Ucrania a la Segona Guerra Mundial on plamava el dolor dels habitants, les destrosses que va causà..  Aquesta història feta en sorra la volia dedicar a totes les persones que l’havien sofert sobretot al seu besavi que va morir al 1943 defensant la seva pàtria. Kseniya va quedar entre els 50 finalistes fins que va aconseguir guanyar el concurs.
La finalitat de Kseniya era poder fer algun anunci a la televisió però el que va aconseguir en el concurs va ser totalment diferent,  va emocionar a tots els espectadors que mitjançant aquesta història recordaven el dolor d’aquesta tragèdia.

Ukraine's Got Talent (per veure el video, cliqueu sobre la imatge)


Kseniya va triunfar per tot el món i va crear més de 200 històries fetes amb sorra. 
El 4 de decembre del 2008 Kseniya va presentar una exposició de fotografies de les seves històries anomenada “una personalitat de sorra”


En el any 2010 funda en la seva ciutat natal un centre cultural: “Club de Sorra”.


També ha estat en diversos països mostrant el seu art amb la sorra per celebrar congressos, per patrocinar nous edificis i moltes més activitats  (Ucrania, Rusia, Noruega, Japó, Polònia, Àustria, China, Reine Unit, Països Baixos, Qatar, India, Itàlia, Alemanya, Suïssa, Kazajstán, Mònic, Canadà, Australia entre d'altres).

HOBBIES:
A Simonova li encanta l’esport i l’esquí aquàtic. Li agrada el tennis i ballar el hip-hop. També escriu poemes en anglès i en la seva llengua materna, el rus. Li fascina la actriu Emir Kusturica i col·lecciona objectes antics. 

ÚLTIMS PROCESSOS I PROJECTES EN PROCÉS
En aquest any Kseniya presentarà una col·lecció de moda creada per ella mateixa. Un estil clàssic i surrealista
Al finals del  2011 va presentar junt al seu marit, Igor, un gran espectacle i va publicar una autobiografia plena de fotografies amb sorra.



lunes, 14 de mayo de 2012

CRISTÓBAL BALENCIAGA

Entrada realizada por  Valería Lucilla Días de Menezes, alumna de Segundo de Bachillerato Artítsico.




Para Balenciaga la moda era ante todo arte.

“Un modisto tiene que ser arquitecto para los planos, escultor para las formas, pintor para el color, músico en la armonía y filósofo para crear estilo”.






Cristóbal Balenciaga Eizaguirre, nacido en Guetaria, municipio de la provincia de Guipúzcoa, el 21 de enero de 1895 y fallecido en Valencia, el 23 de marzo de 1972. Fue un prestigioso diseñador de moda español, considerado como el creador del arte de la Alta Costura, desempeño su trabajo en París durante más de tres décadas. Contemporáneo de Coco Chanel y Christian Dior, es considerado como el más importante modisto español de Alta Costura.



Cristóbal Balenciaga nació en una pequeña localidad del País Vasco, en Guetaria en el seno de una familia humilde y muy católica. Su padre era pescador, y su madre costurera. Desde pequeño, soñaba con ser modista. A los trece años, la Marquesa de Casa Torre, que veraneaba en el mismo pueblo que vivia Balenciaga, se conmovió ante las ansias del joven por aprender el oficio de la moda y le planteo un reto. Le entregó un trozo de tela junto a uno de sus más exclusivos vestidos, para que lo copiara y demostrara su talento. El resultado fue tan extraordinario, que desde entonces la Marquesa se convirtió en su mecenas.

Tras unos años de gran éxito, Balenciaga consiguió abrir una tienda en San Sebastián, en 1914, y más tarde en Madrid y Barcelona.

La familia real española y la aristocracia llevaban sus diseños. Cuando estallo la Guerra Civil española, cerró dos tiendas, y se trasladó a París donde abrió un taller, en la avenida George V, en agosto de 1937.

Cristóbal Balenciaga impulso un estilo totalmente innovador. Presento la línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas redondas. A partir de los años cincuenta es cuando pasa a ser reconocido y despliega toda su creatividad.

Diferente de muchos diseñadores de la época, que sólo abocetaban sus creaciones y no las confeccionaban, Balenciaga dominaba en pleno la costura y el manejo de los tejidos. Coco Chanel llegó a afirmar: ''El es el único de nosotros que es un verdadero costurero.''

Sus predilecciones eran los tejidos con peso, enriquecidos con bordados a mano, lentejuelas o pedrería. En sus colecciones, destacan los vestidos negros, los abrigos cuadrados sin cuello ni botones, la manga japonesa, el vestido túnica o los impermeables transparentes.

El era capaz de montar un vestido con apenas un único paño de tela, sin costuras ni cortes, en poco tiempo. Sus habilidades más asombrosas era crear volúmenes y formas; daba a las prendas un acabo perfecto, casi escultórico, encubría todas las botonaduras y las puntadas de hilo. Era tan exigente que se acaso no le gustase como había sido el resultado final, desarmara el vestido entero. Para sus mejores clientes el creaba diseños exclusivos, sin necesidad de pruebas; Una de sus clientes afirmó que Balenciaga conocía sus medidas y que los vestidos que el hizo, exigió ningún retoque.




Balenciaga, fue un apasionado de los grandes pintores españoles, como Velázquez y Goya, aunque sus modelos también muestran influencias cubistas, por eso, algunas veces fue comparado como el Picasso de los estilistas. Se dice que su perspectiva de la mujer es mas japonesa que occidental, porque aunque sus modelos no resulten eróticos a los ojos occidentales, destacan mucho la nuca, un elemento muy erótico en Japón.



Imagen tomada tras la boda de Balduino y Fabiola de Bélgica, la novia vistió un traje de Balenciaga (15-12-1960)

La lista de sus clientas de la alta sociedad es muy larga. Además de Marlene Dietrich incluye a Greta Garbo. Hizo los vestidos de novia de S.M. la Reina Fabiola de Bélgica y de la Duquesa de Cádiz. Era una figura legendaria en el mundo de la moda y de la alta sociedad, no sólo por sus diseños sino también por su carácter reservado y su método de trabajo riguroso y discreto. Recibía a sus clientes mediante cita previa y organizaba desfiles privados. No le gustaban las multitudes ni la vida mundana. Guardó con celo su vida privada.

Uno de sus últimos trabajos fue el uniforme de las azafatas de Air France, quizá el único de sus modelos que se produjo en masa. Se retiró tras cincuenta años en activo.


Tras su fallecimiento, la firma Balenciaga se mantuvo activa, principalmente en la gama de perfumería y accesorios.

Entre sus colaboradores, que luego tendrían firma propia, se cuentan André Courrèges, Emanuel Ungaro, Hubert de Givenchy y Oscar de la Renta.

Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones museísticas, empezando por el Museo Metropolitano de Nueva York. Su amigo, el escultor Eduardo Chillida, le hizo una escultura-homenaje. El Museo Balenciaga, soslayado el proceso judicial sobre presuntas irregularidades en su gestión, 4 se inauguró en Getaria (Guetaria) el 10 de junio de 2011. El museo cuenta con unas 1.200 piezas, aunque sólo una parte se muestra simultáneamente. Las obras están expuestas sobre maniquíes invisibles.

Balenciaga sorprendía siempre con sus golpes de efecto. Sus mejores logros pertenecen a la década de los 50. Creo algunos de los estilos más influyentes del siglo XX, capturaba la forma femenina y como utilizaba esa forma como punto de partida, dieron como resultado, los cambios de silueta más extraños desde el nuevo look de posguerra de Christian Dior. Mostró entonces su asombrosa camisa sin cintura marcada o vestido que sorprendió a las personas, que estaban acostumbradas al estilo encorsetado de los años cincuenta.

En época de los 50, aparecen sus legendarias túnicas, los ampuloso vestidos de noche en forma de calabaza, los trajes línea <>, los sastres libres de todo encorsetamiento.

En los años 60 sus colores, siempre de tintes oscuros, adquirieron una nueva viveza. Sinnúmero prescindir nunca de su modelo fetiche, se lanzó a distintas gamas de tonos vivos. Acortó las faldas y se lanzó a los audaces cortes al bies, también en esta época cuando creó sus famosos impermeables de plástico y jugó con los echarpes y bufandas con materiales de gran efecto.

Sus diseño de vestidos y abrigo más memorables, sobre todo para noche, se definen por formas sorprendentes como una tarta nupcial con pisos. Balenciaga no solo era un genio de la forma sino un maestro colorista, dispuesto a combinar un negro mate con un marrón nuez moscada a dar vida a un azul de huevo de petirrojo con el cereza más brillante. En cuanto que a las telas, solía recurrir a tafetán más ligero, y a las lanas con textura y peso de tapizado, como la faille y el mohair. Su sello proprio eran las gasas, una seda ligera como una pluma pero con consistencia que hacía que incluso sus vestidos más esculturales parecieran efímeros.

Balenciaga jugaba de forma incesante con la idea de los que constituye un traje. Con los abrigos y los vestidos solía ser suaves. Sus prendas entalladas con frecuencia, revelaban zonas erógenas poco comunes: los huesos de la muñeca que sobresalen de unas mangad que simulan brazaletes, la parte de la clavícula enmarcada en un cuello plano, curvado y separado del cuerpo.

Después de más de tres décadas, después de este gran ciclo de oro para Balenciaga y la moda, por medio del 68, con mas de 70 años, Balenciaga dijo adiós al mundo de la moda, confeso a su gran amiga la Marquesa de Llanzol: << Siento no ser más joven por que hubiera creado un prêt à porter divertido, pero de buen gusto, como exige-la época en que vivimos, pero para mi es demasiado tarde.


 
 
 
 
 
 









sábado, 12 de mayo de 2012

PATRICIO CONDE “PATO”

Entrada realizada por Enric Roigé Pastor, alumno de Segundo de Bachillerato Artístico.



 Autorretrato.



Esta entrada está dedicada a un artista local, Patricio Conde, un artista por vocación, utiliza sus obras principalmente para expresar sentimientos, pensamientos e ideas. Buen artista y gran persona, con  carácter fiel a sus ideales y creatividad para sorprender .

Desde los 6 años ha permanecido bajo sus pies una tabla con 4 ruedas y dos ejes que le llevaron a sus 18  años a  relacionar el skate con la fotografía,  vocación que ya tenía su padre que de alguna manera fue  su fuente de inspiración.

La fotografía para Pato representa la necesidad de comprender el mundo que le rodea. Nació en Argentina el 16 de septiembre de 1980, paso algunos años en Mallorca y actualmente reside en Terrassa (Barcelona). Estudio Fotografía, cine y diseño en Mallorca, multimedia en Terrassa y actualmente filosofía en la UNED.



Imagen 2. Algunas de las cámaras utilizadas. 

Las formas artísticas son diversas y con ellas intenta alcanzar diferentes objetivos o metas aunque la fotografía es el medio que ha tomado más protagonismo en su obra. Intenta explicar una historia en un solo fotograma. Ha realizado múltiples retratos expresivos de skaters, obreros, en definitiva plasma en sus fotos individuos invisibles para la sociedad. Nunca hace fotografías que representen realidades perfectas, al  contrario, utiliza  realidades comunes, es un poeta de la imagen.” Sus fotografías nunca están terminadas” como su vida artística, siempre cuestionándose a sí mismo, reinventando sin llegar nunca a una conclusión, siempre moviéndose hacia algo más que le fortalece su camino creativo.
Poeta? Skater? fotógrafo? Filosofo?

Ninguno de estos términos lo definiría en su totalidad, el mejor sinónimo de Patricio Conde es artista caracterizado por su originalidad y humanidad.

Retrato

   Retrato




Representación de sus sentimientos e ideas.





Links de interés:

(Muy importante) Video de proceso de una de sus obras (un mural):
http://vimeo.com/29230645.


Algunas de sus obras: http://patosskate.tumblr.com/


Fotografías a famosos deportistas:  http://stafmagazine.com/news/lancemountaininterview/


Entrevista que le realizaron des de los Estados Unidos: http://www.aweh.tv/patricio-conde/


Exposición realizada: http://scifivideo.blogspot.com.es/


Web donde podemos ver algunas de sus obras: http://www.patoconde.net






BAPTISTE DEBOMBOURG

Entrada realizada por Sara Baco Baltanal, alumna de Segundo de Bachillerato Humanístico-Social


  
Baptiste Debombourg es un joven artista francés que usa de una forma ingeniosa objetos cotidianos, grapas, baldosas y muebles entre otros,  para realizar grandes obras. . Entre estas se encuentran las más destacadas y sorprendentes en la galería de Aggravure



Estas obras están repletas de elegancia, e inspiradas completamente en el manierismo del Renacimiento desarrollando el mundo mitológico y religioso, mostrando los grandes héroes como, por ejemplo,  Ícaro.





Verdaderamente como podemos comprobar en esta fotografía las obras de Debombourg son muy minuciosas y delicadas. Se dice que este artista tiene una gran manía por ver muchas cosas amontonadas, lo cual a mi me parece una excelente idea porque consigue realizar obras increíbles de gran formato que impactan a todo el mundo. Para realizar estas obras ha necesitado alrededor de 35.000 grapas y tardó aproximadamente 72 horas. Sorprende la rapidez de creación de estas obras.


Baptiste tiene un gran abanico de magníficas obras para todos los gustos, todas ellas  llenas de expresividad. Accidentes de tráfico,  mobiliario urbano destruido, cajas de cartón, kits de muebles ... son las  ideas que influyen en la obra de este artista. Habla de las cosas mundanas que nos rodean para evocar mejor la condición humana. Él hace sus obras para provocar una sensación, un sentimiento, o algún tipo de emoción a aquellas personas que las contemplan de forma que desarrollen millones de pensamientos diferentes. Una de las más expresivas seria “Crystal Palace”, que sin ser algo verdaderamente especial, una parada de autobús, la convierte con la técnica del cristal roto en un baúl de reacciones para los espectadores.








Para saber más sobre la obra de Baptiste Debombourg os recomiendo su página web a la que podréis acceder clicando sobre su nombre al inicio de la entrada. 



Agradecería la aportación en los comentarios de información sobre Baptiste Debombourg, principalmente sobre su educación y formación como artista. Gracias.

miércoles, 9 de mayo de 2012

El mag dels fogons i el seu temple: Ferran Adrià i elBulli

Entrada realitzada per Esther Venteo, alumna de Segon de Batxillerat Artístic.


Ferran Adrià Acosta va néixer el 14 de maig de 1962. Va començar la seva trajectòria gastronòmica per casualitat. Quan tenia 18 anys va deixar els estudis amb l’objectiu de guanyar diners per fer un viatge amb els seus amics a Eivissa i així és com va començar a treballar com a rentaplats al restaurant de l'Hotel Playafels de Castelldefels. Amb 19 anys Ferran va fer realitat el seu somni de viatjar a Eivissa i a la tornada a Barcelona va treballar al prestigiós restaurant Finisterre. Amb 21 anys va fer el Servei Militar i durant l’estiu de 1983 Ferran va passar el seu mes de permís fent pràctiques a el restaurant de Cala Motjoi (Girona) elBulli. Ell no es podria ni imaginar que aquest era el restaurant que el faria tocar el cel com a millor cuiner del món anys després.

QUÈ ÉS elBulli?

“elBulli és el menú que soparàs aquesta nit. elBulli és una experiència de quatre hores, 40 o 45 coses que van explicant una història, que segueixen una línia d’harmonia… i això és una cosa que no pot fer ningú al món, únicament elBulli” (Ferran Adrià).

UNA MICA D’HISTÒRIA...

1961. El doctor alemany Hans Schilling i la seva dona Marketta van muntar un petit restaurant a Cala Motjoi (Roses, Girona) amb un minigolf amb el nom d’elBulli, en honor als seu gossos buldogs.

La guia Michelín atorgava la 1ra. estrella Michelín al restaurant elBulli al 1976, la 2na. estrella Michelín al 1990 i la 3ra. estrella Michelín al 1997.

1987. Ferran Adrià va convertir-se en l’únic cap de cuina d’elBulli. A un viatge a França va anar a una demostració que feia Jacques Maximin: "Creativitat és no copiar“. Amb aquesta frase Ferran va començar a fer el seu propi estil de cuina.   

2001. elBulli va decidir tancar al migdia i només fer sopars (tret que el diferenciava de cap altre restaurant).
La revista The Restaurant Magazine declarava Best restaurant of the world al restaurant elBulli al 2002, 2006, 2007, 2008 i 2009.
2007. Doctorat Honoris Causa en Química per la Universitat de Barcelona.
2008. Doctorat Honoris Causa en Humanitats per la Universitat d´Aberdeen, a Escòcia.
2010. Doctorat Honoris Causa en Tecnologia per la Universitat Politècnica de València.

2010. Ferran Adrià millor xef de la dècada.

2010. Ferran Adrià anunciava a la VIII Edició Internacional de Gastronomia Madrid Fusió que al 2011 elBulli tancaria durant dos anys.      

2011. Ferran Adrià presentava a Madrid Fusió la transformació d’elBulli a elBulliFundation.

GASTRONOMIA MOLECULAR

 Aquest terme va ser creat als anys 1980, pels físics Nicholas Kurtí i Hervé This. Gastronomia molecularés l’aplicació de la ciència als problemes gastronòmics: la transformació dels aliments, saber com es componen, quins canvis pateixen en ser sotmesos al fred i a la calor, coccions,...etc.

TÈCNIQUES I TEXTURES

DECONSTRUCCIÓ
Tècnica creada a finals dels anys 80. L’objectiu és que l’aspecte i la textura siguin totalment diferents mentre que el sabor és el mateix.


ESCUMES
Van ser creades per Ferran Adrià. L’objectiu és aconseguir una elaboració semblant a la mousse però amb sabors més intensos i de fàcil digestió.
Aire de pastanaga amb concentrat de mandarina


LIOFILITZACIÓ
Va ser creada per Ferran Adrià. L’objectiu és eliminar l’aigua d’un aliment congelat fent-lo evaporar sense passar per líquid.




NITROGEN LÍQUID
Va ser creat per Ferran Adrià. L’objectiu és la cocció en fred, a -196º, per oferir sensacions fred-calor.


ESFERIFICACIÓ
Va ser creada per Ferran Adrià. L’objectiu és la gelificació d’un líquid per la part exterior i l’interior líquid.




NEGOCIS AL VOLTANT D’elBulli


PUBLICACIONS

S’han escrit més de 2.500 articles i més de 15.000 pàgines relacionades amb Ferran Adrià i elBulli. Aquestes són algunes de les publicacions més importants.
1999. “Ferran Adrià, el millor cuiner del món”.
2003. “Com Espanya es transforma en la nova França”.
2004. “L’alquimista, és Ferran Adrià el millor cuiner del món?”.
2004. “Les 100 persones més influents del món”.
DEBATS

També hi han obertes moltes línies de debats sobre la cuina que envolta a Ferran Adrià:
-          Cuina tradicional o cuina d’avantguarda?
-          Gastronomia: cultura o negoci?
-          Art o cuina?
Personalment, crec que la cuina de Ferran Adrià no s’ha de debatre ni s’ha de comparar amb cap altra tipus de cuina. El seu objectiu és sorprendre tots els nostres sentits. Jo a això en dic ART.